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Aus politischer Sicht stürmen in der letzten Zeit sehr viele Unerfahrene die große Bühne und das politische Bankett. Aus musikalischer Sicht machen das gerade auch fünf Jungs aus dem Osten der Republik, aus Chemnitz. Was in der Politik die Piraten sind, das sind sie im deutschen Musikbusiness und bringen vor allem den Deutsch-Pop endlich Vordermann. “Kraftklub” heißt die Band, die sich mit dem Lied “Ich will nicht nach Berlin” in die Gehirnzellen der Fans nahezu einhämmert.

Sie wirken etwas verpeilt, die Lieder sind sicherlich nicht nach dem Motto “Schwiegermuttis Liebling”, aber sie sind das, was die deutsche Jugend derzeit verkörpert: Planloser Ehrgeiz mit dem Blick aufs Wesentlichen. In München wurde letztens ein Konzert wegen der starken Nachfrage in eine größere Halle verlegt, auch hier war das Konzert binnen weniger Augenblicke ausverkauft. Auch ein Kurzeinsatz bei der “Echo”-Verleihung sorgt dafür, dass Kraftklub dieser Tage in aller Munde ist.

Genau beim Urheberrecht lässt sich etwas herstellen. Eine Verbindung zu den Piraten, die derzeit in den Wahlumfragen und- prognosen auf dem Vormarsch sind und die schon in den nächsten deutschen Parlamenten die Piraten-Flagge hissen werden. Kraftklub sagt, dass sich die Zuhörer ihre Songs da holen können, wo sie wollen. Es ist etwas Sonderbares, wieso die Band wohl den Erfolg der letzten Monate in der Hand hält. Auf der einen Seite sind sie abwechslungsreich, haben Sprechgesang in ihren musikalischen Beispielen, unterlegen die Texte mit einer leicht zu erkennenden Ironie, die sich durch die Stücke zieht. Auf der anderen Seite sind sie “very british” – singen aber Deutsch.

Das also, was viele Kritiker der deutschen Musikszene angekreidet haben, machen sie nun.

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In den Universitätsstädten ist es zum letzten Semesterstart eng geworden. Doppelte Abiturjahrgänge, geburtenstarke Jahre und der Wegfall vom Zivildienst und der Wehrpflicht haben in ganz Deutschland dazu geführt, dass die Unistädte aus allen Nähten gequollen sind und die Erst- Semestler nur mit viel Glück ein Dach über dem Kopf ergattern konnten.
Das hat zu einem Ansturm auf WG-Zimmer, Studentenwohnheime, Jugendherbergen oder Zwischenmietenzimmer geführt. Wohnen auf Zeit verbindet man zurecht eher mit Immobilienportalen wie etwa Immonet.de. Wie auch Möblierte Zimmer, WGs oder nur kurzzeitig anmietbare Wohnungen für Studenten, Stipendiaten oder Sprachschüler. Eine ganz neue Campus-Variante haben kürzlich Studierende der FH Aachen vorgestellt.

Auch in der nordrhein-westfälischen Stadt wurde es eng, schließlich bietet die FH Aachen insgesamt fast 60 Studiengänge an, was eine Vielzahl an Einschreibungen zur Folge hatte. Diese Tatsache hat die Dozenten des Fachbereichs Architektur auf eine Idee gebracht. Die Studenten hatten die Aufgabe, im Rahmen ihrer Bachelorarbeit temporären Wohnraum zu entwerfen, den man je nach Bedarf ausweiten oder einfach wieder rückbauen kann. Bedingung war, dass vorgefertigte Raumzellen verplant werden sollten, die auf Containertransportern angeliefert und ohne viel Aufwand vor Ort aufgebaut werden können.

Die von den Studenten präsentierten Ergebnisse waren vielseitig. Einige entschieden sich im Material für Holz, andere setzten auf Dämmstoffe, wie sie auch in der Raumfahrt benutzt werden, wieder andere blieben beim herkömmlichen Stahl. Auch die Aufbaukonzepte unterschieden sich voneinander. Ein Student verband die Container mit Brücken miteinander, der andere stellte die Container hochkant auf.

Aufgabe war es, in einem realisierbaren Rahmen mit möglichst einfachen Mitteln Wohnraum zuschaffen, der nicht nur praktisch, sondern auch ansprechend ist. Ähnlich wie die früher in der DDR zum Einsatz gekommenen Raumerweiterungshallen, in denen Konzerte oder andere Veranstaltungen stattfinden konnten, sollten die Container vielseitig einsetzbar sein, als Zuhause, als Treffpunkt, als Lernzimmer und als praktische Alternative zum herkömmlichen WG-Zimmer. Denkbar ist auch eine Container-Siedlung – mit Wohnungen, einem Café und einer Konzerthalle, obwohl man über die Akustik in einem solchen Container wohl durchaus streiten kann.

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Neu in der alten Soulbranche ist der Londoner Michael Kiwanuka. Erst vor kurzem wurde der junge Engländer von der BBC in ihre einflussreiche Sound of 2012-Liste aufgenommen, womit sie ihn gegenüber den Kritikern, Marktforschern und Medienleuten zum Shootingstar des Souls erklären.
Auf ihrer Tour im vergangenen Jahr hatte Adele den 25-jährigen Kiwanuka als opening act mit auf ihre Tour genommen. Nun muss er sich jedoch umgewöhnen. Er ist nicht mehr der opening act, sondern der act selbst.
Im Roten Salon Berlin sang er in seinem sanften Cockney-Singsang „Glad to be here!“. Ein schüchternes Lachen und dann ein paar Akkorde auf seiner umgehängten akustischen Gitarre. Ein bisschen Angst, dass hier ein junger Mann steht, der seinen Liebeskummer besingt, hat der Zuschauer, doch nach der ersten Liedzeile seines Songs „Home Again“, klingt es, als wäre seine Musik schon immer da gewesen. Die Songs beinhalten eine unaufdringliche Lebensweisheit und ein Selbstvertrauen, wie man es sonst nur von den Songwritern der sechziger Jahre kennt.
Es ist also nicht verwunderlich, dass Kiwanukas unverschnörkelter Soul die Kritiker erst einen stutzen ließ – ganz alte Schule, ein Bill-Withers-Remake. Die Musik des Singer-Songwriters mit den ugandischen Wurzeln beschwört ziemlich ungeniert die goldene Ära des Südstaaten-Souls. Kiwanuka selbst mag den Begriff retro nicht. Er höre vor allem Musik, die vor seiner Geburt aufgenommen wurde, doch seiner Meinung nach sind das die Sounds, die heute die Hip-Hopper samplen.
Festzuhalten ist, dass der Songwriter mit keinem Trend etwas am Hut hat. Etwas naiv sagt er, dass er alles aufgreife, was ihn selbst berühre und seine Lieblingsmusik soweit verwandelt, bis sie nicht mehr nach einem Zitat, sondern nach ihm selbst klinge.

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Um sich als hippes und cooles Modelabel zu etablieren, setzt Carhartt auf eine geschickte Strategie. Nicht nur, dass das Unternehmen in Europa bis Ende 2009 mehrmals im Jahr ein Lifestyle-Magazin veröffentlichte, das unter dem Namen “Rugged” Neuigkeiten rund um Mode, Musik, Kunst, Skaterkultur und Computer präsentierte. Noch dazu ist Carhartt in der elektronischen Musikszene als Sponsor äußerst aktiv, ähnlich wie etwa auch Red Bull mit seinem “Music Academy Radio”. Nicht umsonst wählten die Leser der Zeitschrift De:Bug, einer der größten deutschen Magazine für elektronische Musikkultur, die Marke 2005 und auch in den Jahren davor zum besten Modelabel.

Auch Carhartt sponsort zahlreiche Events, lädt Musiker zu ihren Ladeneröffnungen ein, betreibt ein Internetradio und informiert auf ihrer Webseite über Szenenews. Dabei werden auch exklusive Interviews aufgezeichnet und einzelne Touren unterstützt. Wenn also über oder unter einem großen Konzertplakat der Aufdruck “Carharrtt presents” zu finden ist, handelt es sich um ein geschickt platziertes Sponsoring. Dass das aber auch zum Überleben von Musikern und der Musikkultur jenseits von Mainstream-Popkultur generell unerlässlich ist, sollte man ebenfalls nicht vergessen.

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Die deutsche Rapszene ist größtenteils männlich besetzt. Bushido, Sido, Ferris MC oder Freundeskreis sind die Namen, die in den Charts auftauchen. Ein weibliches Mitglied sucht man da vergebens. Besonders in den Charts ist seit Schwester S damals in den 90ern nicht mehr viel passiert in Sachen Female Rap. Dennoch gibt es in der Subkultur kleine Enklaven von Musikerinnen, die die Girlpower im HipHop hochhalten.

In Berlin zum Beispiel ist eine Musikerin namens Sookee besonders umtriebig. Die Studentin der Gender Studies und Linguistik ist Sprachrohr der queeren Szene, politische Aktivistin und Rapperin in einer Person. Im Jahr 2006 ist ihr erstes Album mit dem Titel ‘Kopf, Herz, Arsch’ erschienen, selbstverständlich in DIY-Manier, 2010 folgte das Album ‘Quing’, eine Wortschöpfung aus King und Queen, die stereotype und heteronormative Konzepte in Frage stellt. Die Themen Sexismus, Homophobie, Mackertum und Geschlechterrollen sind ihr Metier., In ihren Texten, die sich nur selten um den heißen Brei drehen, werden diese Themen immer wieder diskutiert. Ihr Song ‘Pro Homo’ ist jetzt schon legendär und eigentlich von keinem Slutwalk mehr wegzudenken.

Letztes Jahr ist eine EP erschienen, die sie zusammen mit dem Berliner Rapper Kobito unter dem Pseudonym ‘Deine Elstern’ veröffentlicht hat. Darauf sind sechs Songs, von dem besonders die Single ‘Augen zu’ im Gedächtnis bleibt, der die Geschichte von Nachhauseweg nach einer viel zu langen Nacht im Club erzählt. Nun ist Sookees drittes Album mit dem Titel ‘Bitches, Butches, Dykes and Divas’ erschienen. Darauf wird der politische Faden weitergespannt. Wie der Name schon verrät, geht es wieder um Geschlechterrollen, wieder der Hinterfragung von Normativitäten und wieder der Vorstellung von innovativen Lebenskonzepten, eine geballte Ladung an Politik also. Unterlegt von Beats, die nicht nur zum Nachdenken, sondern in erster Linie zum Mitwippen einladen.

Doch auch diese Vorgänger müssen es erst einmal mit ihrer Arbeit, also ihrer Musik, was in diesem Fall durchaus als ihr Kapital zu bezeichnen ist, es geschafft haben. Denn wie immer ist auch hier von dem Spruch “von nix kommt nix” die Rede. Auch wenn es sich in diesem Moment vielleicht sehr trivial anhört, so ist es im Endeffekt doch wieder wahr – doch nun könnte dieses fast schon preußisch scheinende Zitat von Arbeit zerissen werden. Schließlich glauben Forscher der Universität Bristol nun eine Formel gefunden zu haben, wie man feststellen kann, ob ein Song ein Hit wird oder eben nicht. 

Dabei untersuchten die Forscher die Chartlisten der vergangen Jahre in Groß Britanien. Dabei untersuchte ein Computer Eigenschaften wie Tempo, Takt, Länge oder Lautstärke – insgesamt waren es 23 Eigenschaften. Dann verglichen die Forscher frühere mit diesen Songs – und hätten praktisch den Erfolg dieser Songs voraussagen können. In der Mathematik nennt man dieses Vorgehen auch Algorithmus. Nun könnte man sich allerdings auch nicht darauf verlassen, schließlich sprechen die Forscher auch von “außermusikalischen Gründen”, wenn so mancher Song doch ein Hit wird oder wurde – wie bei der Wiederveröffentlichung von “Man in the Mirror” nach Michael Jacksons Tod 2009. Der “King of Pop” war sowieso wahrscheinlich der Künstler, der am meisten bei der Mini Playback Show gecovert wurde. 

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Vor zehn Jahren begann in Münster im “Gleis 22″ eine ganz große Karriere: Kettcar feierten dort kürzlich ihr 10. Jubiläum und die Veröffentlichung ihres neuen Albums “Zwischen den Runden”. Die Fragen, denen die fünf Hamburger in ihren rockigen Songs nachgehen, sind über die Jahre dieselben geblieben: Nachbohren, wo man besser einfach nicken sollte. Kritisieren, was allgemein gar nicht problematisiert wird. So ist er eben, der so genannte Deutsch-Rock: Intellektualität zum Mitgröhlen und Verlieben.

Das Debut der fünf Hamburger “Du und wie viel von deinen Freunden” war eine kleine Revolution in der deutschen Musikszene. Viele Musiker und Bands nennen Kettcar als eines ihrer großen Vorbilder. Viel Respekt gebührt ihnen in der Tat nicht nur für den einst erfundenen, sehr individuellen Rock- und Schreib-Stil, sondern auch und vor allem dafür, dass es Kettcar nie um kommerziellen Erfolg ging. Das ist auch bei dem neuen Long Player so: Hier wird kein stereotyper Fan bedient mit Kettcar-Klischees und alten Liedern in neuem Gewand, wie es bei vielen längere Zeit aktiven Musikern leider so häufig passiert.

Kettcar schaffen es mit ihrem neuen Album, die Schutzhülle aus Bequemlichkeit, Sarkasmus und Saturiertheit zu sprengen, die viele Europäer im 21. Jahrhundert ganz unbewusst angelegt haben. In “Zwischen den Runden” erscheint das Leben wie ein ständiger Kampf – man fühlt sich ein bisschen an den Geist von Albert Camus’ “Sisyphos” erinnert. Auch schon vor Jahren hieß es von den fünf Hamburgern: “Einsehen zum Schluss, das man weitermachen muss” – und das ist auch das Plädoyer, das “Zwischen den Runden” mit seiner Boxkampf-Metapher im Sinn hat. Wenn es Kettcar denn wirklich um ein Plädoyer ginge, und nicht einfach um ehrliche, echte Songs über die Absurdität des Lebens und der Liebe.

“50 Words for Snow” heißt das neue Album von Kate Bush und es läutet mit sanften Klängen den Winter ein. Nach 6 Jahren Pause kommt von der Sängerin nun ein Album heraus, welches mit leisen Pianoakkorden und neben ihrer immer noch fabulösen Stimme auch die zauberhafte Knabenstimme ihres Sohnes Albert McIntosh enthält.

Lieder wie “Snowflake” oder “50 Words For Snow” können nur in völliger Ruhe und Abgeschiedenheit entstehen. Dafür zog sich die Sängerin komplett zurück und ließ Lieder entstehen, die einen in der Winterzeit zu Hause am Kamin mit einer Wolldecke ummantelt und einem Tee in der Hand zum dahinschmelzen bringen.

Die Musik kann einigen Genres zugeordnet werden. Pop, Alternative oder Jazz. Das ist keine Neuerfindung, allerdings sind die zauberhaften Texte das Geheimnis des Albums. Lieder vom geheimnisvollen “Lake Tahoe”, einem Schneemann den sie bei einem bizarren One-Night-Stand küsst oder einem Yeti, dem sie durch den Himalaya folgt, sind einige Beispiele für die märchenhaften Geschichten um die es im neuen Album geht.

Dabei dominiert Kate Bushs Stimme alles. Der Schnee wird in so vielen Varianten beschrieben und kann für vieles ein Symbol sein: für eine verpasste Liebe, soziale Kälte oder auch einfach die bedrohte Wildnis.

“50 Words for Snow” ist deshalb ein sehr inspirierendes Album, welches einen auch durch den härtesten Winter geleitet.

Der Schwerpunkt des diesjährigen Folk-Festivals lag einerseits auf lokalen Künstlern rund um den Großraum Philadelphia wie etwa US Rails, Birdie Busch oder Hoots and Hellmouth und andererseits auf Umweltschutz: Es gab eine mit Solarenenergie betriebene Bühne, einen großen Komposthaufen und ein ökologisches Dorf zu bestaunen. Darüber hinaus gab es einige Workshops zum Thema, Natur-Freunde konnten etwa Bäume pflanzen oder recyclebare Backsteine herstellen.

Seit 1962 findet das Festival statt, das vor allem der Non-Profit-Organisation Philadelphia Folksong Society zu verdanken ist. Diese hatte sich bereits rund 5 Jahre früher zusammengefunden, um die Vergangenheit der Folk-Musik zu bewahren, die gegenwärtigen Folk-Künstler zu promoten und so auch für die Zukunft dieses Genres zu sorgen. Rund 12.000 Menschen besuchen das Festival auf dem Gelände der Old Pool Farm, davon campen auch etwa 5.000 Besucher auf dem Festival-Gelände. Sechs Bühnen gibt es, insgesamt 75 Stunden lang läuft Folk non-stop. Zum Glück ist der Begriff der Folksong Society über Folk ziemlich ausgedehnt: Auch World/ Fusion, Celtic, Singer-/ Songwriter, Rock, Country, Klezmer und Dance Musiker werden eingeladen.

Wer nun Interesse bekommen hat, bitte nicht vergessen: Das berühmte Philadelphia Folk Festival ist eines der touristischen Highlights der Saison im Osten Pennsylvanias. Viele Hotels in Philadelphia und Umgebung sind während des Festivals nicht selten sogar ausgebucht. Eine zeitige Hotelreservierung ist hier also unbedingt notwendig.

In den vergangenen Jahren hat sich viel verändert und auch Feist hat großen Wert auf Veränderung gelegt. Sie möchte sich nicht nur erwachsener und reifer präsentieren, sondern zudem noch melancholischer als zuvor! Songs wie “Bittersweet Melodies” klingen genau so, wie sie heißen und lassen den Hörer in Depressionen fallen, aus denen sie kein Lied auf dem Album wieder rausholen wird. Ob das wirklich so geplant war, kann an dieser Stelle nicht beantwortet werden. Ob sie damit an den Erfolg der letzten Platte anknüpfen kann oder gar neue Fans generieren kann, muss skeptisch betrachtet werden. Zu wünschen wäre es ihr auf jeden Fall, damit sie die Chance bekommt, in Zukunft wieder etwas unbeschwerter und weniger melancholisch daherzukommen, wodurch ihre Musik nicht nur etwas für kalte, graue, dunkle und verregnete Herbst und Wintertage ist!